Введение

Классический танец — основное выразительное средство балета; система, основанная на тщательной разработке различных групп движений, появившаяся в конце XVI века в Италии и получившая своё дальнейшее развитие во Франции.Основы классического танца вырабатываются при помощи экзерсиса, из которого состоит танцевальный урок, как ученика, так и профессионального артиста балета. В комплексном обучении профессионального артиста необходимо знание музыкальной культуры, истории, литературы и сценарной драматургии. В то же время с семи лет дети проходят гимнастическую подготовку, потому как балеты прошлого, сохранившиеся до наших дней, технически усовершенствовались. Балет — высшая ступень хореографии (от греческого choreia – пляска и grapho – пишу), в котором танцевальное искусство поднимается до уровня музыкально-сценического представления. В балете исторически выработались различные музыкально-хореографические формы: дуэтная форма (па-де-де), групповые и массовые танцы (па-детруа, па-де-катр, гранд па). Как правило, музыка сочиняется композитором специально для балета на основе либретто, реже подбирается из готовых музыкальных произведений. Термин «Балет» распространяется как на многоактные спектакли, так и на одноактные миниатюры, отдельные танцевальные сцены, входящие в оперы. Танцы и сцены, созданные балетмейстером, исполняются артистами балета, в числе которых балерина и первый танцовщик, солисты, корифеи, кордебалет.
Балет многообразен: сюжетный – классический повествовательный многоактный балет, драмбалет; бессюжетный – балет-симфония, миниатюра. По жанру балет может быть комическим, героическим, фольклорным.

Зарождение и развитие балета

Европейский балет возник в эпоху Возрождения. В конце XIV века наметилось различие между бытовым и театрализованным танцами. Процесс формирования театрального танца, зародившегося в Италии, а затем и в других странах, привёл в XV-XVI веках к рождению балета.

Вначале балет был, как объединённая единым действием или настроением танцевальная сценка, эпизод в музыкальном представлении, опере. Заимствованный из Италии, во Франции расцветает как пышное торжественное зрелище — придворный балет. Началом балетной эпохи во Франции и во всём мире следует считать 15 октября 1581 года, когда при французском дворе состоялось представление зрелища, которое принято считать первым балетом — «Комедийный балет королевы» (или «Цирцея»). Музыкальную основу первых балетов составляли придворные танцы, входившие в старинную сюиту.

Во времена Людовика XIV спектакли придворного балета достигли наивысшего великолепия, включали в себя сценические эффекты, придававшие зрелищу характер феерии. Людовик XIV и сам не был чужд музе танца, в 1653 году он выступил в роли Солнца в «Балете ночи», с тех пор его называли «Король-солнце». В том же балете танцевал композитор Ж. Б. Люлли, начинавший свою карьеру как танцовщик.

Первоначально в балетную труппу входили только мужчины. Французские танцовщики славились грацией и изяществом (благородностью) манеры исполнения. Итальянские танцовщики принесли на сцену Парижской оперы новую манеру танца – виртуозный стиль, технически сложную, прыжковую манеру танца.

В Парижской опере XVII века исполнялся особый жанр театрально-музыкального зрелища – оперы-балеты композиторов Ж. Б. Люлли, А. Кампра, Ж. Ф. Рамо.

Во второй половине XVII века появляются новые театральные жанры, такие как комедия-балет, опера-балет, в которых значительное место отводится балетной музыке, и делаются попытки её драматизировать. Но самостоятельным видом сценического искусства балет становится только во второй половине XVIII века. Основываясь на эстетике французских просветителей, были созданы спектакли, в которых содержание раскрывается в драматически выразительных образах.

В 1701 г. во Франции была создана система записи элементов классического танца. Эти термины признаны специалистами в области мировой хореографии и в настоящее время. Знание специальных терминов ускоряет процесс обучения. Это международный язык танца, возможность общения с хореографами, понимание специальной литературы, возможность кратко произвести запись учебных комбинаций, урока, этюдов, вольных упражнений, композиций. Большинство терминов прямо обозначает конкретное действие, производимое при выполнении движения (вытягивать, сгибать, открывать, закрывать, скользить и т. п.), некоторые указывают на характер выполняемого движения (fondu — тающий, gargouillade — журчащий,gala — торжественный), другие — на танец, благодаря которому они возникли (pas бурре, pas вальса, pas польки). Существуют также термины, в название которых заложен некий визуальный образ (например, кошки — pas de chat, рыбки — pas de poisson, ножниц — pas de ciseaux). Особняком стоят такие термины, как entrechat royale (по легенде, авторство этого прыжка принадлежало Людовику XIV, в честь которого он и был назван «королевским») и sissonne, изобретение которого приписывается Франсуа де Руасси, графу Сиссонскому, жившему в XVII веке.

В XVIII веке в Англии, Австрии, а затем во Франции балет окончательно сформировался как самостоятельное искусство. Усложнение техники танца потребовало изменений женского костюма. Легкая одежда в стиле антик, вошедшая в моду накануне Французской революции, способствовала развитию техники балета. К концу XVIII века балетный костюм становится значительно более лёгким и свободным для движения, что в немалой степени способствует бурному развитию техники танца. Пытаясь сделать свой танец более воздушным, исполнительницы старались встать на кончики пальцев, что привело к изобретению пуант. В дальнейшем пальцевая техника женского танца стала активно развиваться. Героинями балетов стали сильфиды и лесные духи виллисы, персонажи кельтского и германского фольклора. Облик танцовщицы в белом тюнике, воплощавший неземное существо с веночком на голове и крылышками за спиной, придумали французские художники-костюмеры И. Леконт, Э. Лами, П. Лормье. Позднее возник термин «белого», «белотюникового» балета. Белый цвет – цвет абсолюта, «белый балет» выражал романтическую тоску по идеалу, балерина в арабеске стала его графической формулой. Повысилась роль кордебалетного танца, в единое целое слились танец и пантомима, сольный, кордебалетный и ансамблевый танец.

Драматизация балета требовала развития балетной музыки. Людвиг ван Бетховен в своём балете «Творения Прометея» предпринял первую попытку симфонизации балета. Романтическое направление утверждается в балетах Адана «Жизель» и «Корсар». Балеты Лео Делиба «Коппелия» и «Сильвия» считаются первыми симфонизированными балетами. Вместе с тем обозначился и упрощённый подход к балетной музыке в балетах Ч. Пуньи, Л. Минкуса, Р. Дриго. Музыка стала мелодичной, чёткой по ритму, служащей лишь сопровождением для танца.

Особняком в истории балетного романтизма стоит его датское ответвление. Датский романтический балет (стиль «бидермайера» на фоне романтизма) – более земное и камерное направление с фольклорными мотивами, где большую роль играет пантомима и больше внимания уделено мужскому танцу, меньше пользуются пальцевой техникой, а женские роли второстепенны. Эти особенности характерны и для датского балета настоящего времени.

Романтический балет, окончательно сформировавшийся во Франции в тридцатых годах XIX века, стал одной из вершин развития хореографического искусства. В романтических образах отразилось обобщённое идеализированное представление о человеке.

Когда в другие виды искусства пришел реализм, европейский балет оказался в состоянии кризиса и упадка. Он потерял содержательность и цельность и был вытеснен феерией (Италия), мюзик-холлом (Англия). Во Франции он перешел в фазу консервации отработанных схем и приемов.

В начале XX века хореографическое искусство на Западе переживает упадок. Классический балет как жанр практически перестает существовать. На смену ему приходят всевозможные ритмопластические танцы. В каждой стране они называются по-разному: в одних — современный танец, в других — выразительный, свободный, художественный, ритмопластический и т. д. Но их всех объединяло одно — их создатели отрицали классический танец как устаревший и не способный раскрывать современные темы и образы.

В наши дни классический балет остается актуальным. В оперных театрах ставятся классические постановки великих балетмейстеров мира, они постоянно усовершенствуются, каждый постановщик вносит в спектакль свои новшества, и благодаря этому классическое наследие остается современным и в наши дни. Кроме того, на основе классики ставятся новые уникальные произведения, которые затрагивают актуальные проблемы современного общества, поэтому балетное искусство не оставляет равнодушными своих зрителей.

Классический танец и балет в России

В Россию классический танец пришёл в 1-ой половине XVIII века. В 1738 году была открыта первая танцевальная школа в России (впоследствии ставшая Академией русского балета им. А. Я. Вагановой). Русский классический танец синтезировал в себе как французскую, так и итальянскую школы исполнительства.

Первый балетный спектакль состоялся 8 февраля 1673 года при дворе царя Алексея Михайловича в подмосковном селе Преображенское. Это был «Балет об Орфее и Евридике» (1673 г., музыка Г. Шютца, балетмейстер Н. Лим, Комедиальная Хоромина в селе Преображенском, Москва).

В 1773 году открылась балетная школа и в Москве – балетное отделение при Московском Воспитательном Доме, основа будущей Московской академии хореографии. Московская труппа, созданная как общедоступная, пользовалась большей независимостью, чем казенная петербургская. Искусство петербургской труппы было более придворное, строгое и академичное, московский же балет более демократичен и поэтичен, привержен комедийным и жанровым. Различия сохранились и позже: ленинградский балет до сих пор отличается классической строгостью, академизмом, кантиленностью танца, московский – бравурностью, мощным прыжком, атлетизмом.

В Петербурге первый публичный Большой театр (Каменный), в будущем императорский Мариинский театр, открылся в 1783 году. В 1803 году его балетная труппа отделилась от оперной, заняв привилегированное положение среди других жанров театра.

В начале XIX века русское балетное искусство достигло творческой зрелости, сложилось как национальная школа. Точнее всего особенность исполнительского искусства русских танцовщиц определил А. С. Пушкин, когда охарактеризовал танец своей современницы А. И. Истоминой как «душой исполненный полет». Балет занял привилегированное положение среди других видов театра. Он пользовался государственными субсидиями и подчинялся дирекции императорских театров. В 1825 году в Москве был открыт Большой театр, и балетная труппа получила технически оснащенную сцену и одновременно ведущую танцовщицу, педагога, хореографа преромантического направления Ф. В. Гюллень-Сор. К началу 1830-х гг. и московская, и петербургская балетная труппы выступали в хорошо оборудованных театрах. Русский балет органично воспринял родившийся в Западной Европе романтизм. К середине 30-х гг. спектакли отличались великолепием и стройностью, высокой школой мастерства и слаженностью ансамбля.

В России после 1917 года балет остался крупным центром общенационального искусства. Несмотря на эмиграцию ряда выдающихся деятелей балетного театра, школа русского балета уцелела, выдвигала новых исполнителей. Пафос движения к новой жизни, революционная тематика, а главное, простор творческого эксперимента вдохновляли мастеров балета, позволяли дерзать. В то же время традиции предшественников, академизм исполнительской культуры сохранялись. Руководитель труппы Большого театра Горский переделывал балеты классического наследия, создавая собственные сценические редакции («Лебединое озеро», 1920; «Жизель», 1922). Возглавивший в 1920-х гг. петроградскую труппу Ф. В. Лопухов, знаток классического наследия, талантливо реставрировал старый репертуар. Лопухов поставил первую танцсимфонию «Величие мироздания» (1922), аллегорически изображал революцию («Красный вихрь», 1924), обращался к традиции народных жанров («Пульчинелла», 1926; «Байка про лису…», 1927).

В 1920 году Мариинский и Большой театры получили статус академических театров и были переименованы в ГАТОБ и ГАБТ. С двадцатых годов работали также музыкальные театры в Свердловске, Перми, Саратове, Горьком, Куйбышеве, а также в столицах союзных республик. С середины пятидесятых годов возникли балетные школы при Пермском и Свердловском театрах.

В ХХ в. официальные требования реалистичности, общедоступности искусства привели к преобладанию на сцене спектаклей, созданных в жанре так называемого драмбалета. Балеты этого типа — многоактные, обычно основанные на сюжете известного литературного произведения, строились по законам драматического спектакля, содержание которого излагалось с помощью пантомимы и изобразительного танца.

В 1930-х гг. сформировалась новая школа исполнительства, которой были свойственны, с одной стороны, лиризм и психологическая глубина, с другой, — героическая манера танца, экспрессия и динамика.

Однако, несмотря на успехи, монополия одного направления в балетном театре привела к искусственно культивируемому единообразию. Из театрального обихода ушли многие виды спектаклей, в частности, одноактные постановки, в том числе бессюжетные и симфонические балеты. Объединились танцевальные формы и танцевальный язык, поскольку в спектаклях использовался исключительно классический танец и лишь в отдельных случаях — народно-характерный.

К началу пятидесятых годов назрела необходимость балетных реформ. В 1956 году состоялись первые зарубежные гастроли балетной труппы Большого театра в Лондоне, имевшие огромный успех, но вместе с тем обнаружившие отставание советской хореографии от западной.

Перелом наступил в конце 1950-х гг., когда выдвинулось новое поколение хореографов. Первыми на путь новаторства вступили ленинградские хореографы Ю. Н. Григорович («Каменный цветок», 1957; «Легенда о любви», 1961; позднее «Спартак», 1968) и И. Д. Бельский («Берег надежды», 1959; «Ленинградская симфония», 1961), строившие спектакль на основе музыкально-танцевальной драматургии, раскрывавшие его содержание в танце.

В конце 80-х — начале 90-х гг. значительно увеличилось число гастролей за рубежом  как балетных трупп крупнейших оперно-балетных театров, так и небольших коллективов, специально созданных с коммерческими целями. Начиная с 1970-х гг. русские артисты, ощущая свою невостребованность в устаревшем и бедном репертуаре театров, стали все чаще работать за границей. Первым вынужден был остаться за рубежом Нуреев, за ним последовали Макарова, Барышников; позднее, когда подобная практика легализовалась, за границей стали работать, подчас ставя спектакли и даже возглавляя балетные труппы в США и Европе, Григорович, Виноградов, а также Плисецкая, Васильев и др. В составе многих зарубежных коллективов работают русские танцовщики младшего поколения.

В наше время русский балет имеет философскую направленность. Балетмейстеры в своих произведениях обращаются к вопросам человеческого бытия, проникают  в тайны человеческой психики, благодаря чему русский балет занимает высокий мировой уровень.

Список литературы:

  1. М. М. Фокин. Против течения. — Искусство, 1961.
  2. «Русский Балет» — Энциклопедия русского балета.  — «Ожившие картины» — балет Гордеева на музыку Баха
  3. «Балет как синтетическое искусство». — В. В. Ванслов. О музыке и балете
  4. 4.1981 — Балет. Энциклопедия. — Балет. Энциклопедия, 1981. 
  5. 5.1997 — Русский балет. Энциклопедия / Редакторы Е.П.БеловаГ.Н.ДобровольскаяВ.М.КрасовскаяЕ.Я.СурицН.Ю.Чернова. — БРЭ, «Согласие», 1997.
  6. Издание 2012 года: «Энциклопедия Балет» / Е.П. Белова, А.А. Фирер. —2010. — М., 2011 — 2012.